Avoir 25 ans : des musiciens discutent de certains de leurs disques préférés de 1997

Dec 19, 2023

Certaines années semblent avoir un halo autour d'eux : 1969, 1971, 1991, 2001 - ils ont tous produit certains des albums les plus influents et acclamés de tous les temps. Mais quand on aborde des discussions concernant ces années, il y en a une qui est inévitablement oubliée. 1997 possède la distinction, peut-être plus que toutes ces autres années, d'être une année complète de creuset pour la musique. Il n'y avait pas d'esthétique directrice, pas d'adhésion à un genre. C'était comme si nous vivions quelque chose de vraiment historique, un moment où des artistes comme Radiohead, Ween, Bob Dylan, Company Flow, Daft Punk, Erykah Badu, Missy Elliott et Steve Earle se disputaient tous notre attention.

Mais l'importance de 1997 va bien au-delà de la consommation moyenne de musique. Cette année a inspiré des artistes nouveaux et établis, offrant un aperçu jusque-là inconnu de possibilités encore inimaginables. Alors que nous traversons maintenant le 25e anniversaire de 1997, il nous a semblé juste de regarder en arrière et de discuter de certains des albums qui sont devenus des jalons, non seulement du genre, mais de toute l'histoire de la musique. Nous reviendrons sur la propre rétrospective de 1997 de Beats Per Minute, mais d'abord, il semblait approprié de laisser les musiciens s'exprimer. Nous avons approché certains artistes et leur avons demandé de regarder en arrière et de choisir un album de 1997 qui les a inspirés, que ce soit dans leur vie personnelle ou dans la façon dont ils ont abordé leur musique. Et ils avaient beaucoup à dire.

[Nonesuch/Circuit mondial]

Les étoiles devaient être sérieusement alignées lorsque le producteur Nick Gold, l'ingénieur Jerry Boys et les musiciens Joachim et Ry Cooder sont arrivés à La Havane, Cuba en 1996. À l'origine, le plan était d'avoir une session d'enregistrement cubaine et africaine, mais lorsque les musiciens du Mali n'ont pas pu faire En raison de la bureaucratie, le projet a changé d'orientation. Pas grave non ? Grâce à l'oreille curieuse de Ry Cooder et à la capacité du chef d'orchestre cubain Juan de Marcos González à trouver un casting incroyable de musiciens locaux autrefois oubliés, le Buena Vista Social Club a vu le jour. Il est étonnant de savoir que cet heureux accident a non seulement produit un album magnifique qui a soulevé des musiciens et des styles de musique incroyables qui n'avaient pas été entendus depuis des années, mais il a également déclenché un éveil de l'importance de la musique afro-cubaine et latino-américaine.

Ce qu'il faut retenir de cet album, c'est à quel point il est important d'être dans l'instant présent et de suivre le courant. Cela fait peut-être partie du charme que nous entendons lorsque nous écoutons cet album et que nous sommes entraînés dans ces performances soul de son Cubano, guajira, boléros et danzón. En tant que bassiste, mon oreille est immédiatement attirée par les lignes de contrebasse mélodiques et syncopées d'Orlando "Cachaìto" Lopez. C'est ce qui donne à cette musique ce mouvement et ce groove sophistiqué. L'instrumentation et les arrangements ainsi que les subtilités des guitares et des solos entendus tout au long de l'album créent un jeu continu qui est indéniablement sublime. Beaucoup de mes amis ont été immédiatement époustouflés par le phrasé élégant et les solos du pianiste Rubén González. Ensuite, il y a les voix d'Ibrahim Ferrer, Compay Segundo, Omara Portuondo et Eliades Ochoa avec tant de passion que vous ne pouvez pas vous empêcher de vous lever et de vous balancer avec les rythmes et la dynamique.

Vous pouvez vraiment ressentir l'ambiance et la chimie et une partie de cette magie est à quel point le son de la pièce est intégré à cet enregistrement. J'ai eu la chance de travailler dans les studios historiques EGREM à La Havane en 2007 avec Amparo Sánchez, un auteur-compositeur-interprète espagnol et quand je me suis assis au même piano Steinway que le maestro González avait joué, j'ai instantanément pu entendre ce son de pièce que je connaissais si bien . Je terminerai par une histoire de ma rencontre avec Eliades Ochoa en 2010 au Festival Womad en Australie. Quand je me suis présenté, j'ai dit que je venais d'Amérique et sa réponse a été "oui, nous sommes tous américains". Je pense que c'est une note importante pour beaucoup de gens aux États-Unis. Peut-être que la musique peut aider à ouvrir la voie.

~Joey Burns, Calexique

[Fusionner]

Thriller de Lambchop est un disque de transition de la meilleure façon. Il fait encore sombre, mais des lignes de cuivre brillantes et des chansons pop (dont 3 par FM Cornog d'East River Pipe) commencent à scintiller dans le marais de Nashville. Le doo-wop comiquement bizarre de "My Face Your Ass" (avec l'une des meilleures répliques de Wagner - "Je vais te botter le cul de punk rock") s'intégrerait bien dans l'étalement de leurs deux premiers albums, mais est immédiatement suivi par les cors soul chargés de "Your Fucking Sunny Day" et "Hey Where's Your Girl" d'East River Pipe avant de replonger dans des drones bruyants (si beaux) pour les trois morceaux suivants. L'album oscille entre le soleil et l'ombre comme le chalutier couvert de mousse de Wayne White sur la couverture sort un nouveau Lambchop de la tourbière du passé et c'est l'un de mes favoris dans leur catalogue profond.

~ Mac McCaughan, Superchunk

[Thrill Jockey]

En avril 1997, je me suis retrouvé à descendre Bedford Ave, à Williamsburg, Brooklyn, en direction du nord. J'avais 50 $ dans ma poche et une tête pleine de scénarios idéaux à acceptables. Est-ce que je voulais faire partie de quelque chose ? Je suis sûr que l'enfer l'a fait. C'était NYC ! Peu importe le mode d'expression – visuel, musical, acteur, comique, il y avait sûrement un créneau sympathique à explorer, des gens avec une esthétique commune à rencontrer. Plus précisément un groupe de rock qui a besoin d'un batteur comme moi. Quoi qu'il en soit, les premières choses seraient les premières.

Quelques semaines seulement après avoir garé ma voiture, je vendais des vinyles/CD dans le magasin de vêtements d'occasion d'un ami que j'ai aidé à préparer pour son ouverture. À l'époque, beaucoup de musique populaire de gauche sortait de Chicago via Thrill Jockey Records, qui abrite de nombreux grands artistes tels que Trans Am, Tortoise et The Sea And Cake, qui venait de sortir The Fawn.

De la piste d'ouverture à la dernière - une grosse humeur - livrée en douceur. Le son de la voix de Sam Prekops m'a amené à croire que tout allait bien…. Avec le disque en cours de lecture, rien n'a jamais été ou ne serait jamais, jusqu'à ce que la dernière piste soit terminée, c'est-à-dire. Le faon dégageait une aisance - un sens supérieur de l'intelligence émotionnelle qui était tout nouveau à mes oreilles. Le tout livré par une musicalité qui était de grande envergure sans être auto-félicitation ou gratuite.

Pour moi, The Fawn représente plus que des sonorités intelligentes et l'écriture de chansons par des musiciens intelligents - me berçant dans un beau mais faux sentiment de stabilité. C'était le score de mon effort.

Bientôt, je rencontrerais mon compagnon de groupe des 22 dernières années, Daniel Kessler. 1997 est l'année où ma prise de vue dans le noir a donné naissance à une lumière encore lumineuse. Oui, rejoindre un groupe incroyable qui signerait un contrat d'enregistrement avec l'un des labels indépendants les plus cool au monde, pour ensuite faire le tour du monde, encore et encore, serait le nec plus ultra. Est-ce que je pensais que ça se passerait comme ça ? Non. J'ai eu la chance à ce stade d'avoir un revenu - rejoindre Interpol était sacrément proche d'une chimère qui se concrétisait.

Le faon représente le calme névrotique avant la tempête extatique et se minimise encore plus de deux décennies plus tard, me rappelant à quel point il était beau d'être aveugle mais fidèle avec seulement 50 $ à mon nom.

~ Samuel Fogarino, Interpol

[Colombie]

je viens du nord de la bretagne; Sheffield pour être exact. mais je suis parti quand j'étais gamin, et ça m'a brisé le coeur. pour moi, la musique a été un moyen de rester en contact avec le nordiste en moi, alors quand ce disque est sorti, le titre seul me semblait spécial. c'était tellement utilitaire et simple. ça disait juste sur la boîte ce que ça allait être, pour ainsi dire. J'étais déjà un grand fan de tfc quand c'est sorti, mais pour moi ça représentait une toute nouvelle période dans leur vie en tant que groupe et dans ma propre vie. j'étais un peu plus vieux. j'étais amoureux. et je commençais à penser au temps d'une manière différente. c'est la plus belle chose à propos de cet album et de tout le travail de tfc : ils sont honnêtes à propos de qui ils sont et de ce à quoi ils pensent ; ils sont honnêtes sur le genre de musique qui les a influencés ; ils ne prennent pas de grands airs. c'est un groupe pop du nord de la bretagne. et parce qu'ils jouent si bien, s'harmonisent si étroitement et écrivent des paroles d'une simplicité et d'une ouverture si percutantes, ils n'ont pas besoin d'être autre chose que cela. ce ne sont pas des rock stars, ce sont des gens. et la musique n'a pas l'air inventée par les dieux, on dirait qu'elle a été faite par une bande d'amis qui s'aiment, qui vieillissent et qui aiment toujours le son des guitares. "Je ne veux pas te contrôler" est l'exemple parfait de ces qualités. à ce jour je ne peux pas l'écouter sans pleurer. pourquoi ça me fait pleurer ? parce que c'est tellement gentil. c'est tellement humain, c'est tellement optimiste et pourtant réaliste. et parce que les mots du refrain "chaque jour je regarde un visage différent" sont le meilleur indice d'un mariage heureux que j'aie jamais entendu. vieillir. acceptez-le soyez honnête à propos de qui vous êtes. mais ne cessez jamais de vivre dans la possibilité de l'émerveillement ; n'arrêtez jamais de tomber amoureux; ne jamais cesser d'être nordique. n'oubliez jamais ce que cela signifie. c'est ce que le fanclub adolescent m'a appris. j'adore ce disque.

~Torquil Campbell, Étoiles

[Hannibal]

Le son de la quarantaine, pour moi (et peut-être seulement pour moi), était un guitariste sous-estimé du Minnesota nommé Steve Tibbetts. Cela signifie, par défaut, que Tibbetts était aussi souvent le son en arrière-plan lorsque j'écrivais les chansons de mon premier album solo Nothing Special, dans les déserts, les montagnes et les bords de lacs du sud de la Californie où je venais de déménager. Mais, comme tant de musique que j'ai écoutée en écrivant celle-ci, il est étrangement difficile de détecter l'influence de Tibbetts. Je ne sais pas pourquoi. Habituellement, mes influences sonnent près de la surface. Je suppose, cette fois, que je ne pensais pas autant aux points de référence sonores. Mais j'aime à penser qu'il y a quelque chose dans l'esprit de Tibbetts qui a fait de Nothing Special plus que n'importe lequel de ses maniérismes musicaux spécifiques.

Tibbetts est un homme difficile à cerner. Je suppose que techniquement vous l'appelleriez un guitariste de jazz puisque tant de ses albums sont sortis sur le légendaire label de jazz allemand ECM. Mais son travail semble au moins partiellement enraciné dans la guitare folk américaine, plonge dans les textures électroniques et ambiantes, porte occasionnellement une bouffée de rock progressif et embrasse ouvertement la batterie en acier, le tabla et les instruments que certaines personnes associent à l'étiquette presque péjorative "world musique." En fin de compte, cette glissance est ce que j'aime chez Tibbetts. Il a un sens de la mélodie merveilleusement non mélodique, une façon de sonner à la fois agressive et calme, et une sorte d'opacité émotionnelle qui est en quelque sorte très touchante.

Il y a aussi quelque chose dans les projets de Tibbetts qui semble profondément spirituel, et cela trouve son expression la plus évidente dans ses deux collaborations avec Ani Chöying Drolma, une nonne bouddhiste népalaise. Le deuxième album du duo, Selwa, est pointilleux et détaillé, un véritable travail d'amour et de soin. Leur premier, Chö de 1997, ressemble un peu à une course à vide pour Selwa et peint avec des traits plus larges et plus flous, mais a aussi un mystère un peu plus séduisant. Pour Chö, Tibbetts - de passage au Népal - a enregistré des chants bouddhistes a capella d'Ani Chöying et les a ramenés chez lui, où il a ajouté des couches de guitare, de manipulation de bandes et de percussions manuelles. Vous imaginez peut-être une sorte de slop de rythme mondial, mais ce n'est absolument pas cela. Le chant d'Ani Chöying, bien que beau, a une sorte de vide énervé et serein, réconfortant mais un peu déconcertant, et Tibbetts n'essaie ni d'exotiser son côté oriental ni de l'amener dans un contexte occidental, situant plutôt ses chants dans ce genre de un monde onirique tout en douceur entièrement de sa propre invention. Le résultat est l'une des collections de musique méditative les plus puissantes que j'ai entendues, et c'était quelque chose dont j'avais désespérément besoin en 2020, me plongeant dans un bain sonique alternativement chaud et rafraîchissant alors que j'essayais à la fois d'apaiser mes nerfs et d'affronter la réalité à le même temps.

~Will Sheff, rivière Okkervil

[Universel]

Pour être honnête, j'avais 7 ans, mais je me souviens d'avoir joué ça en boucle pendant que ma mère me conduisait à l'entraînement de football en pensant que c'était la musique la plus amusante et la plus amusante que j'aie jamais entendue. La pochette de l'album et les visuels sont également restés dans mon esprit au fil des ans avec les couleurs vives sursaturées et le style de danse européen des années 90. Le style de musique n'a peut-être pas bien vieilli en termes d'acclamations de la critique, mais il y avait très peu de chansons que vous deviez ignorer lorsque vous écoutiez cet album successivement. Et la créativité pour prendre le jouet pour enfants le plus populaire au monde et le transformer en un album torride et phénomène de boîte de nuit européenne est la raison pour laquelle je mourrai sur cette épée. L'album de 1997 est Aquarium d'Aqua.

~ Tucker Halpern, Sofi Tukker

[Mercure]

New Forms de Roni Size était un exemple exceptionnel, peut-être l'apogée, d'un long moment musical en développement dans la musique de danse, où des fusions passionnantes se produisaient entre Drum & Bass, hip hop, jungle, jazz, funk et house. L'élément de musique house était peut-être ce qui m'a le plus attiré au début, car il y avait de la musique prête à être mélangée dans des sets à ce tempo. Parfois glorieusement maniaque, à d'autres entraînant correctement des rythmes funk et même d'autres présentant de délicates suspensions dans l'air - la complexité et le savoir-faire de cet album en ont fait un disque définitif pour moi en 1997.

~ Andy Butler, Hercule et une histoire d'amour

[Un petit Indien/Elektra]

"Vous recevrez de l'Amour… Peut-être pas de ces sources… vous avez versé le vôtre… Peut-être pas dans les directions que vous regardez… Tournez la tête. C'est tout autour de vous". Ce lyrique m'habite comme une prière. Homogenic de Björk a atterri au moment idéal de ma vie. Dans une saison de loup solitaire de ma jeunesse, un chapitre solitaire mais riche de nature sauvage et de découvertes. Homogenic exprimait toutes les émotions que je portais à l'époque et Björk était chacun de mes animaux spirituels à la fois. Cet album a été mon compagnon constant et mon guide car elle a donné à ma solitude son monde. Björk, comme de rares personnes, peut faire passer ses sentiments à travers vous avec sa voix. "Unravel" est une couverture. "Jóga" est feu et glace. "5 Years" est ma parade sauvage et "All Is Full Of Love" est le genre le plus gentil de notre reine bienveillante. "Vous serez pris en charge. Vous recevrez de l'amour. Vous devez lui faire confiance." Joyeux 25 et merci Björk !

~ Jesca Hope

[Vierge]

Pour mon essai commémoratif de 1997, j'ai dû choisir Spiceworld des Spice Girls. A l'âge tendre de 8 ans, Spiceworld a été le premier album qui m'a été interdit. Je me souviens avoir désespérément voulu acheter Spiceworld sur cassette dans notre Walmart local pour me faire dire par ma mère que ce n'était tout simplement pas autorisé. J'ai grandi dans une maison religieuse et les thèmes de la sexualité féminine comme forme d'indépendance n'étaient pas tolérés ! Cette qualité verboten est ce qui ferait de Spiceworld mon album le plus écouté de 1997. J'avais une petite carte secrète d'amis, dont chacun avait une copie de Spiceworld. Pendant les vacances d'été, je faisais le tour de la carte, et mes meilleures copines et moi faisions exploser Spiceworld à plein volume pendant que nos parents étaient au travail. Des paroles comme "ne vous souciez pas de votre apparence, c'est juste ce que vous ressentez" se sont répandues dans nos chambres alors que nous vidions nos boîtes de caboodle pour les transformer en kits d'urgence, ou passions des heures à fabriquer des colliers d'amitié. Cela fait 25 ans que j'écoute cet album, et je peux réciter 70% des paroles par cœur ! Le message est tellement positif et fortement féminin ! Que l'on sache que Spiceworld a été ma première expérience punk rock déguisée en brit-pop algorithmique. Sa musique a favorisé des cercles sociaux secrets où les petites filles écoutaient des hymnes féministes et se préparaient à un avenir inconnu. Pour cette seule raison, les Spice Girls devraient s'asseoir dans la section punk juste à côté de The Pagans.

~Haley Fohr, Circuit des Yeux

[Nton]

Le multi-instrumentiste et compositeur Rhys Chatham est principalement connu pour ses armées de guitares et ses orchestres. Je l'ai rencontré pour la première fois lorsqu'il dirigeait son premier morceau de rock "Die Donnergötter" en direct au CBGB dans les années 80, avec des membres de Sonic Youth et Band of Susans formant l'armée de la guitare. (J'ai ensuite eu la chance de participer à la performance de 200 guitaristes "A Crimson Grail" au Lincoln Center's Damrosch Park en 2009 et "A Secret Rose" pour 100 guitares à Richmond, CA, en 2013.) Mais Chatham brille à la trompette sur cette paire d'EP collaboratifs de quatre chansons de 1997.

Chatham a pris la décision d'apprendre la trompette en 1982, prenant l'instrument en réponse à la lecture d'entretiens avec d'autres artistes néoclassiques se réjouissant dans la presse de leur récente incorporation du rock, et plus particulièrement de la guitare, dans leurs œuvres. À ce moment-là, Chatham faisait déjà la même chose depuis 1976, après avoir été connu comme un compositeur minimaliste (utilisant principalement le piano, les gongs et la flûte) et comme associé de La Monte Young et Tony Conrad. Chatham a gardé une approche discrète de la trompette jusqu'en 1993, lorsqu'il s'est senti prêt à se produire à la fois en public et sur bande avec l'instrument.

Sur Neon, avec l'artiste électronique britannique Martin Wheeler (Badly Born Droid, Vector Lovers), Chatham a mis le klaxon à travers wah-wah et distorsion en plus de la programmation de Wheeler et de divers grooves. Cette même année, il a également fait équipe avec un collaborateur fréquent Jonathan Kane (Swans, Circus Mort, février) et DJ Elated System (Danny Hamilton) pour Septile. Les quatre sélections mettent en valeur le jeu de Rhys sur des rythmes programmés minimaux et de la musique concrète, la trompette évoluant vers le style de Jon Hassell et Don Cherry. Les deux EP sont très engageants, comme le sont toutes ses sorties. Factor X de 1982, bien que principalement basé sur la guitare, présente "For Brass", dont l'arrangement a suscité son intérêt pour l'apprentissage du cor. Two Gongs (1971) est une pièce d'une heure utilisant des gongs d'intensité variable, atteignant à un moment donné un bruit blanc fulgurant. Les enregistrements live de pièces multi-guitares incluent Die Donnergötter, Guitar Trio, A Crimson Grail. La collection An Angel Moves Too Fast To See: Selected Works (1971-1989) offre un excellent aperçu; avec la pièce titre comprenant l'incroyable batterie de Jonathan Kane et Ernie Brooks à la basse.

~ Doug Gillard, guidé par les voix

[Duophonique/Elektra]

En 1997, Stereolab était passé de puissantes rafales de guitare Moore à des grooves Dinger-esque Kraut à des fournisseurs de pure confection sonore, chaque chanson une masse sucrée de douceur induisant la nostalgie autour d'un centre socialiste dur, l'équivalent auditif de bourrer un casse-gueule à l'intérieur d'une guimauve. À partir de 1993, The Groop Played 'Space Age Bachelor Pad Music', il y a eu un abandon du son BIG INDIE GUITAR ROCK, et de nouvelles influences, comme la samba, le yé-yé français et la production émotive grand écran des Beach Boys, ont soudainement place pour émerger.

À présent, le Groop s'était installé dans une étrange façon de faire des disques. Comme l'Emperor Tomato Ketchup de 1996, Dots and Loops a été enregistré dans deux studios différents, séparés par un océan, et deux producteurs. Stereolab avait d'abord travaillé avec John McEntire (mieux connu comme l'un des noyaux multi-instrumentaux des vénérables post-jazzers Tortoise ainsi qu'un ingénieur et producteur très respecté) sur leur album précédent, en suivant la moitié d'ETK avec McEntire à Chicago et le l'autre moitié plus près de chez eux à Londres. Cette fois, le Groop a contacté les membres de Mouse on Mars Andi Toma & Jan St. Werner et trois des dix chansons ont été enregistrées avec eux à Düsseldorf. Il convient également de noter qu'il s'agissait du premier enregistrement Stereolab réalisé à l'aide d'un enregistrement numérique. Les possibilités offertes par cette avancée technologique, combinées aux techniques de production avant-gardistes de leurs collaborateurs, ont conduit à un album qui reste une pièce maîtresse de leur carrière de près de deux décennies.

L'album commence par le son d'un synthétiseur, crépitant comme s'il avait du mal à tenir la bande. Il est bientôt rejoint par la batterie d'Andy Ramsey, propulsive et sereine à la fois, dansant sur la ligne de basse à deux notes, la guitare trémolo-d plumeuse et le vibraphone de McEntire, le tout se congelant dans un groove méditatif avant un roulement de caisse claire et des éclaboussures des cymbales héraut dans le chant. Au fil des ans, on a beaucoup parlé de la juxtaposition au cœur de Stereolab, de la façon dont ils combinent tant de souches de belle musique pop avec un "P" majuscule avec des paroles qui concernent davantage les maux de la société que des sujets aussi banals que l'amour ou luxure, et vous auriez du mal à trouver un exemple plus clair de cela que Brakhage, avec Laetitia déplorant "[…] tant de choses damnées" dont nous avons besoin "pour continuer nos vies stupides". Cela ressemble à un slog? Mais écoutez la façon dont Mary Hansen danse autour des paroles avec ses chœurs, son accent australien le repoussoir parfait pour la langue française de Sadler, l'espièglerie rythmique de sa performance.

Alors que Tim Gane & Sadler sont peut-être les principaux auteurs-compositeurs au centre du groupe, Hansen, qui a été tragiquement tué dans un accident de vélo en 2002, fournit leur contrepoint parfait. Sa guitare principale sur "Miss Modular" s'enroule et frappe comme un cobra dans une boîte de conserve, sa gamme de fréquences radio AM et son bourdonnement cinglant de 60 cycles se déversant sur le groove ultra doux et les arrangements lisses de Sean O'Hagen & Andy Robinson. "The Flower Called Nowhere" monte sur un triple lavage de cymbales et de pièges comme si c'était un Noël Charlie Brown, des clavecins sonnant sur un céleste fantomatique, atteignant un point culminant où des accords choraux statiques descendent, suspendus au-dessus de tout comme un costume de fantôme Scooby Doo drapé sur un compositeur d'avant-garde. "Diagonals" commence par une boucle de batterie à fréquence décalée en 10/4, montant vers le haut avant de redescendre, des trilles de marimba à la double croche et des cartes de cor à mouvement lent sur une ligne de basse dubby avant que les accords tranchants de Gane ne mènent au couplet. "Prisoner of Mars" trace une favela pleine d'instruments de percussion contre une guitare acoustique doucement grattée, une basse pulsante et des traînées de balayages et de tintements électroniques, le tout servant à encadrer les da da da lointains avant de disparaître dans l'ombre. "Rainbo Conversation" est un fantasme de samba, les vibrations de McIntire au premier plan avec les chœurs dans le champ stéréo tandis qu'au centre, Lateitia "aspire à la passion romantique" même si "brûler est [sa] seule attente". Les cordes au ralenti s'estompent sur les rythmes doucement percolants, c'est assez pour vous briser le cœur.

La pièce maîtresse de l'album de 17,5 minutes, "Refractions in the Plastic Pulse", commence assez modestement, avec une pépite de pop française avec une guitare solo bouillonnante, mais autour de la marque des quatre minutes, les impulsions analogiques prennent le dessus, se fondant dans une nouvelle version de la même chanson, cette fois dans un mètre 5/4 vif, le son de batterie breveté de McIntire alimenté par une multitude d'effets pour sonner plus comme une boîte à rythmes qu'une boîte à rythmes ne le pourrait jamais. Les pulsations reprennent le dessus, plus hautes cette fois, ce qui ressemble à une vraie boîte à rythme prend le dessus, crachotant à travers un effet vocodeur. Des ondes de modulation de fréquence glissent sur le champ stéréo tandis qu'un piano électrique émet des intervalles tremblants. Un autre intermède rythmique et nous sommes de retour au début, mais pas tout à fait, certains inversés, mélangeant des éléments des sections précédentes avec les arrangements de cordes douloureux d'O'Hagen avant de disparaître lentement dans le silence et d'annoncer le troisième side-break.

"Parsec" est un morceau de batterie et de basse Farfisa-and-Clav en 10/4, comme si une telle chose pouvait exister et avait toujours existé. De temps en temps les breakbeats filtrés disparaissent, laissant derrière eux le doux clave funk, les cors résolument pointés vers le ciel alors que nous reprenons notre voyage dans l'hyperespace. "Ticker-tape of the Unconscious" nous renvoie sur la planète du funk doux, cette fois avec des arrangements de cuivres extra-généreux. Tous les éléments des sessions de Chicago sont en effet, drums écrasés et spongieux et des leads de synthétiseur sensuellement modulés. "Contronatura" débute dans une forêt grouillante d'insectes synthétisés avant la soudaine chute de neige des cymbales ride et des toms tumbling. Un piano au loin fait retentir les accords alors que Letitia implore "Mon très cher ami, ne pars pas" tandis que l'écosystème (soin des "cornes d'insectes" de Jan St. Werner [connues dans le monde réel sous le nom d'échantillonneur]) se développe progressivement, devenant plus complexes, les grenouilles, les oiseaux, les marécages bouillonnants et les grands arbres gémissant se déplacent sous leur propre poids, formant des boucles et des motifs au fur et à mesure que la chanson tombe derrière elle, atteignant soudainement la conscience de masse et fusionnant en un rythme. "C'est l'avenir d'une illusion/Culture agressive du despotisme/Fantaisie vivante de l'immortel/La réalité d'un animal." Au moins, ils ont les bonnes manières de nous faire faire des Dah Dah Dah Dee Dah Dah !

~ M. Geddes Gengras

[Chaîne]

"Flim" est la première chanson que j'ai entendue d'Aphex Twin. Comme c'était la coutume à l'époque, il était mal étiqueté sur n'importe quel service de partage de fichiers en vogue en 2005. J'ai vécu avec ce titre "Flim" sur un CD-R gravé pendant des semaines avant de savoir que c'était "Aphex Twin". Depuis lors, cette chanson et l'album dont elle est issue, Come to Daddy, sont devenus l'une des parties les plus influentes du catalogue d'Aphex Twin pour ma musique.

Plus que Selected Ambient Works, Drukqs ou Richard D. James, cet album présente tous les traits uniques d'Aphex Twin dans un seul LP. Le cocktail unique de styles qui s'opposent en surface l'ont fait continuer à résonner à travers le temps d'une manière que ses contemporains n'ont jamais tout à fait égalée. Il y a une dureté et une douceur persistantes qui sont toujours présentes dans son travail qui semblent en contradiction, mais qui s'unissent pour former plus que la somme des parties.

Par exemple, le morceau principal "Come to Daddy (Pappy Mix)" est l'une des musiques les plus hardstyle qu'il ait jamais faites, mais il trouve un moyen de se plier à la magnifique section de pont à 2:40 qui se bat existentiellement à travers la distorsion. Il semble qu'il ne puisse pas empêcher la tendance à trouver la beauté dans la dureté juste au moment où il semble que cela ne vienne pas.

De même, sur "Bucephalus Bouncing Ball", il y a une insistance à presser le timbre dans un endroit apparemment inconfortable pour jeter un gilet de sauvetage d'harmonie une minute et demie - puis bien sûr passer les dernières minutes de la chanson à simuler la physique d'une balle rebondissant dans les escaliers. Jamais trop longtemps au paradis ou en enfer.

La magie réside dans la contradiction permanente des émotions qui ne fonctionnent tout simplement pas sur le papier mais se marient parfaitement en audio. Je pense que ces sommets de composition continueront de fournir une étoile polaire à tous les jeunes producteurs qui achèteront un ordinateur portable pour les décennies à venir.

~ James Hinton, La gamme

[Cire]

Lorsque notre ami Kiva a ramené ce CD d'un groupe inconnu appelé Strictly Ballroom à Eau Claire, WI, d'un voyage qu'il avait effectué en Californie, il est devenu un classique instantané pour beaucoup de mes amis. Nous ne savions presque rien sur le groupe, et nous ne le savons toujours pas. Je n'ai appris que récemment que Jimmy Tamborello (Dntel, The Postal Service) en était membre et que quelques membres ont ensuite formé Beachwood Sparks. Mais peu importe, ces 8 morceaux sont à peu près parfaits emo/indie/post-hardcore qui sont trempés dans le psychédélisme. Je peux confirmer que si vous vous retrouvez à écouter cet album sous LSD, les yeux fermés et immobile, il vous enverra dans des tunnels de couleurs en spirale. Une chose rare à l'époque pour un album de rock à base de guitare, et la raison pour laquelle certains ont décrit ce groupe comme Enocore pour leur utilisation de paysages sonores inspirés d'Eno.

Hide Here Forever est tout ce que vous voulez qu'un album emo des années 90 soit. Les voix sont des syllabes luxuriantes et étirées de chant doux qui se transforment parfois en gémissements à pleine gorge. Le type qui sonne comme un vilain cri. Le type avec qui tu veux crier dans ta voiture, tout seul. Mais la plupart du temps, les voix sont comme un oreiller. Des notes de longue date qui scintillent au-dessus d'une quantité parfaite d'interactions de guitare et de riffs de basse qui échangent le plomb comme des lutteurs par équipe. J'avoue que les paroles sont décevantes. Ok parfois ils sont douloureux. Mais c'est bien. Les sons sur ce disque sont suffisants pour faire flotter le bateau, et pour la plupart, les mots sont suffisamment relatables.

Cet album est criminellement difficile à trouver, mais leurs enregistrements collectés peuvent être entendus numériquement sur quelques plateformes. Le vinyle atterrit occasionnellement sur le marché de Discog, mais vous devrez me battre la prochaine fois.

~Drew Christopherson, La police

[Mauvais garçon/Arista]

Mon album de 1997 est définitivement Harlem World de Mase. C'était soit ça, soit Supa Dupa Fly, mais honnêtement, Harlem World a obtenu plus de tours de ma part, donc je le connais mieux. J'ai déjà dit à mes amis que si je pouvais rapper comme trois rappeurs, ce serait Jay-Z sur "Ride or Die", Cam'ron sur "Welcome To New York City" et Mase sur "Feels So Good" . Mais honnêtement, en réécoutant, je ne pense pas avoir remarqué à quel point moi et beaucoup de rappeurs siphonnons inconsciemment Mase. Je veux dire que nous connaissons la livraison cool, décontractée et fluide. Mais si vous voulez parler d'une masterclass en hitmaking… mec, le top cinq de cet album. D'une manière ou d'une autre, sans même essayer apparemment, Mase peut citer tout ce qu'il veut. "Toutes ces filles sont à peu près les mêmes, donc ce n'est pas le crayon, c'est comment tu écris ton nom?". Comme allez, comment n'importe qui peut faire de ce proverbe de son grand-père un tel citable n'est qu'un témoignage de l'art. La production funky et discrète s'adapte parfaitement à tout cela; rien n'est trop grand, principalement juste une bonne boucle, une basse et une batterie. Tout cela amplifié par des crochets collants et des performances tout autour. Définissez un album à étudier lorsque vous souhaitez apprendre à fabriquer hit après hit.

~ Gaïs Guevara

[Matador]

Je suis tombé sur ce disque tardivement, probablement huit ou dix ans après sa sortie. Je travaillais dans une société de gestion immobilière à West Philly qui employait la moitié des musiciens en difficulté de la ville - nous avons retourné et loué des appartements à des enfants de l'Ivy League qui nous ont traités comme "l'aide" et nous ont donné un ennemi commun à lier. Nous sommes venus travailler la gueule de bois et avons échangé des CD de mix (et parfois des démos). Mes collègues étaient tellement plus cool et plus compétents que moi - j'ai fait de mon mieux pour rattraper leur immense vocabulaire musical. Ils laissaient des CD-R gravés dans la voiture – des trucs qui étaient nouveaux pour moi à l'époque : Sonic Youth, The Groundhogs, Superchunk, The Silver Jews, Yo La Tengo, et ainsi de suite. Rien de tout cela n'était sur mon radar, que ce soit, sortant du lycée et de l'université. I Can Hear the Heart Beating as One (avec And Then Nothing Turned Itself Inside Out) collé comme de la colle. Difficile mais accueillant. C'est flou et dynamique et improvisé et compositionnel, tout à la fois. Il y a un immense sentiment de liberté et de synergie ici. Pour moi, "Shadows" ->"Stockholm Syndrome" ->"Autumn Sweater" est la pièce maîtresse de l'album. C'est un système météo qui passe progressivement de délicat à expansif, avec des compositions spectaculaires à chaque étape. Aucun son déplacé. Cet album est sorti en 1997, mais pour moi, il me transporte directement en 2005 – conduire autour de Philadelphie dans une Ford Focus rouge avec toutes les vitres baissées et le volume éteint.

~Dave Hartley, Nightlands/La guerre contre la drogue

[Capitole/Parlophone]

En 1997, je vivais avec les trois Wrens. Nous avions récemment été expulsés de notre première maison de bande et vivions dans un petit appartement à Weehawken, NJ, qui se trouve juste au sommet de l'hélice du Lincoln Tunnel menant à New York. C'était une maison de groupe à part entière où la chaleur était réduite à 98 degrés constants et doux, nous avions une infestation de punaises des eaux noires, aucune porte d'accès aux pièces et notre réfrigérateur était fermé par une vieille guitare basse. Nous avons sorti notre deuxième album Secaucus un an plus tôt en 1996. Nous étions complètement fauchés, roulant (et tombant en panne) dans notre GMC Turn Van partout aux États-Unis pour soutenir notre album. C'est aussi l'année où nous avons transmis notre contrat d'un million de dollars afin de rester fidèles à notre musique. Donc, ce fut une période très intéressante pour nous. J'ai toujours été un fan de Radiohead mais il y avait quelque chose entre mon espoir personnel que notre groupe "réussisse" et le battage médiatique intense qui entourait OK Computer qui m'a juste donné envie de ne PAS l'écouter. Tout en évitant consciemment le disque, j'ai entendu dire que Radiohead devait jouer un spectacle secret à Irving Plaza pendant le week-end du Tibetan Freedom Concert organisé par les Beastie Boys. Sans billet en main, j'ai pris un bus pour New York, je suis allé au centre-ville jusqu'à Irving Plaza et j'ai essayé de scalper un billet. Le scalpeur m'a regardé et m'a dit : "Tu ne peux pas être aussi stupide si tu penses que tu vas avoir une contravention." J'ai pensé que si je me tenais près de la porte de la scène, je pourrais me faufiler. Ce n'est pas arrivé. Cependant, en moins de 15 minutes, debout devant cette porte de scène, j'ai vu les Beastie Boys, Blur et ensuite The-Madonna-elle-même se faufiler par la porte latérale pour assister à l'émission de Radiohead. Apparemment, aucun d'entre eux n'était fan des Wrens, donc toujours pas de billet supplémentaire. Mais j'ai dit, "Ok, il est temps d'écouter OK Computer." Je suis rentré chez moi ce soir-là, j'ai écouté le disque et tout simplement, ça a changé ma vie musicale. Cela m'a aidé à repenser ce qu'un disque pourrait être et à quoi nous efforcer d'atteindre alors que nous entamions les nombreuses années qu'il faudrait pour faire le disque de Meadowlands.

~Kevin Whelan, Station Aeon/Les Wrens

[Hannibal/Oreille assoiffée]

Je ne prêtais pas beaucoup d'attention à la musique contemporaine en 1997. Je ressentais une obligation instinctive de creuser dans le passé et d'amener les choses que je trouvais intéressantes dans le présent dans mes propres combinaisons uniques.

Cette année-là, j'habitais huit maisons plus bas que l'endroit où j'habite maintenant. Je me souviens clairement de la bande originale de ce spot : toutes les rééditions de la Table des éléments, Can, Leonard Cohen, Silver Apples, toutes les époques de Beefheart et "Love Cry" d'Albert Ayler. J'étais un tel stoner, il m'a fallu une éternité pour réaliser que mon CD Goblin Deep Red et mon LP Profondo Rosso étaient le même album. Un an avant leur première réunion, mes amis ont unanimement trouvé excentrique la quantité de Bauhaus que j'écoutais. "Easy Listening for the Hard of Hearing" de Frank Tovey & Boyd Rice a été transformateur, mais je ne connaissais pas toute cette idéologie foutue.

Danny's avait Soul Night les mardis et dimanches à The Bottle était Deadly Dragon Sound System. Ces DJ étaient tous des rois du savoir secret pour moi. Dusty Groove Records a ouvert cette année-là. J'ai étudié toutes les rééditions de Soul Jazz, à commencer par la comp Nu Yurica.

Robert Wyatt est en quelque sorte la synthèse sans effort de toutes ces choses. Chaque nouvel album de Robert Wyatt était un événement majeur. Tous ceux que je connaissais ont passé des jours à absorber et à disséquer chacun. Dans les cercles où j'ai couru, les tenants et les aboutissants de chaque album de Robert Wyatt étaient des connaissances requises pour l'entrée. J'ai passé des centaines d'heures de ma vie à discuter du chant sur "Pigs (In There)".

Alors Shleep était le nouvel album qui est sorti en 1997 et qui m'a marqué. Quelques années plus tard, mes amis Boas ont repris "Free Will & Testament" et je l'ai tellement aimé que j'ai travaillé sur ma propre reprise. Robert Wyatt représente toujours pour moi le potentiel d'affirmation de la vie de l'humanité. C'est une puissante mise en accusation du divertissement populaire qu'il n'est pas un nom familier.

~Tim Kinsella, Cap'n Jazz/Jeanne d'Arc/Chouettes

[Banquet des mendiants]

Il est difficile de croire qu'un billet pour voir The Charlatans au Metro à Chicago ne m'a coûté que 10 $ en 1997, la première fois que je voyais le groupe en concert.

Tellin' Stories, l'album pour lequel ils tournaient, offrait une autre portion de morceaux rock dansants. Il y avait une précision dans l'écriture et un polissage sur la production qui l'ont élevé juste au-dessus du prédécesseur éponyme du disque. Tellin' Stories ressemblait à une progression naturelle par rapport aux disques précédents, avec un son qui épaississait le mix jusqu'à un résultat plus chaleureux, organique et mature.

En ouvrant la porte via le morceau d'ouverture "With No Shoes", The Charlatans a immédiatement fait savoir aux auditeurs qu'ils augmentaient le rock and roll ante de leur travail précédent. Les chansons sont élevées sur les ondes positives que Tim Burgess délivre toujours avec le sourire, tout en tenant bien pour donner un peu plus de rebond à votre démarche lors des journées d'été insouciantes en vous promenant au soleil. Ma mémoire floue met le morceau "Title Fight" sur ce disque, mais hélas c'est en fait sur The Other Stories, le CD compagnon des faces B qui témoigne de la façon dont les chansons sortaient du groupe à cette époque.

Un enfant de Chicago vivant à Milwaukee et ses amis partageant les mêmes idées n'étaient pas la source d'inspiration de Tellin 'Stories, mais cela ne nous a pas empêchés dans notre travail de déménageurs de crier des paroles aléatoires de "North Country Boy" et "How High" les uns aux autres dans des accents anglais exagérés alors que nous nous croisions portant de lourds meubles, un parfait éclaircissant de notre tâche à accomplir.

Tellin' Stories a fait ce que font beaucoup de mes disques préférés ; m'a fait me sentir bien sur le moment et me fait du bien quand je repense à ces moments.

~ Brian Cundiff, Ganser

[Tuez les rock stars]

J'ai grandi en jouant du saxophone, un puriste du jazz. Au lycée, quand ce puritanisme a commencé à vaciller, mon ami Rich m'a brûlé une copie du X/O d'Elliott Smith et j'ai découvert un tout autre univers musical. J'ai été accro instantanément. J'ai retracé mon chemin jusqu'à ses disques 4 pistes et je suis tombé encore plus fort. L'intimité, les paroles qui planaient dans un espace interstitiel entre tristesse et rage, la voix qui murmurait à l'oreille, moitié ricanement et moitié murmure amoureux. J'étais moi-même seul et en colère et rien ne m'apaisait davantage.

Quand j'ai essayé de m'apprendre la guitare pour la première fois, je me suis terré dans ma chambre avec la vieille guitare acoustique de mon père et une multitude d'onglets d'Elliott que j'ai découverts en ligne. Je pouvais à peine en jouer, mais je n'oublierai jamais la magie de recréer de mes propres mains de petits morceaux de ces chansons. La petite gamme exécutée sur "2:45 AM" a été la première partie de guitare linéaire que j'ai jamais appris à jouer. Quand je suis tombé sur une fille indisponible, je suis resté assis là à jouer "Say Yes" pendant des heures.

Je ne peux pas entendre l'un ou l'autre sans revenir en arrière, mais contrairement à d'autres disques qui m'ont d'abord frappé dans cet état vulnérable, je peux toujours le mettre maintenant et m'y perdre. La simplicité est intemporelle. C'est un disque qui ne cherche pas à être plus qu'il n'est, c'est-à-dire 12 enregistrements parfaitement évocateurs de chansons magnifiquement construites. La réputation d'Elliott Smith en tant que sac triste le précède, mais cela obscurcit le fait qu'il était l'un des auteurs-compositeurs les plus nuancés et les plus sophistiqués sur le plan harmonique à s'être imposé au cours des 30 dernières années. Cette profondeur gardera ces chansons en vie aussi longtemps que les gens aimeront les chansons.

~Gabriel Birnbaum, fabricant de Wilder

[Vierge]

En 1997, j'avais 7 ans et les Spice Girls ont bouleversé mon monde. Heureusement, mes parents avaient beaucoup de goût et j'ai été exposé à des musiques comme Bjork, Beck et Radiohead à l'époque, mais je n'ai pas vraiment touché à la musique alternative avant mon adolescence. En tant que jeune fille, les Spice Girls ont eu un impact énorme sur moi. Chanter sur Girl Power, c'était mon premier aperçu du féminisme traditionnel et la première fois que je me suis senti éclairé par cette idée de fraternité. Elles étaient aussi sexy, dans leur musique et leurs tenues fabuleuses. Je n'ai pas toujours bien compris les paroles, mais voir des femmes embrasser leur sexualité était puissant dans une culture qui enseigne souvent aux jeunes filles à cacher ou à renier cette partie intégrante de leur être. En écoutant cet album, je me suis senti libre – comme si je pouvais être une diva de la pop, dansant et chantant sur scène avec mes meilleures copines. En fait, je l'ai fait, sur le terrain de jeu et dans ma chambre, où je me donnais un wedgie pour faire semblant de porter un string sexy, tout en chantant dans un faux micro. En revisitant cet album, j'ai l'impression que le contenu musical est assez sauvage et légèrement chaotique – les genres sont partout. Mais l'écouter me ramène à mon enfant intérieur, qui était une diva de la pop avant que le monde ne lui dise le contraire.

~ Chelsea Rose

[Elektra]

Au printemps dernier, je me réveillais et j'animais. J'animais du crépuscule jusqu'à l'aube et le seul moment où je faisais une pause, c'était quand mon chien avait besoin d'une promenade. Je l'accompagnais jusqu'à la rivière pour ramasser des coquillages et refroidir des morceaux de bois flotté. L'été à Alexandrie est si psychédélique - le lierre envahi et l'humidité. Chaque été que j'y passe, je finis par trouver un album qui reflète cela.

Le mollusque vous donne l'impression de vivre sous l'eau. Cela crée un monde accueillant, mais terrifiant. Je veux toucher les créatures qui sont décrites. Je veux marcher sur les coquillages et même en ramasser, comme je le fais avec mon chien à la rivière.

Ween est un groupe qui crée son propre genre de son et cela se reflète dans la chanson "Mutilated Lips". Les sons électriques et aquatiques mariés aux paroles étranges vous emmènent sur une autre planète. J'apprécie cette qualité de construction du monde lorsque je plonge dans différents artistes. Je place Ween dans la même catégorie que MGMT, Animal Collective et Joanna Newsom. Je ne pense pas qu'ils fassent le même genre de musique, je pense juste qu'ils font de la musique quelque peu psychédélique et quelque peu sans genre.

The Mollusk était l'album que j'écoutais quand j'ai décidé de déménager à Los Angeles. C'était l'album que j'écoutais quand j'ai décidé que je devais trouver un monde plus grand que Virginia. Cela s'est-il quelque peu inspiré de l'album ? Je pense que oui. Je pense qu'il y a de la magie là-dedans qui vous encourage à explorer des parties de la vie que vous avez eu peur d'explorer. J'y joue tous les étés.

~ Naomi Alligator

[Flypapa]

Je reviens avec The Bevis Frond, bien avant 1997. Mon frère aîné a enregistré Triptych et Inner Marshland pour moi quand j'étais en troisième. C'était en 1988. Mon frère est allé à l'hôpital pendant plus d'un an, et je me suis assis dans différentes pièces, dans différents états, et j'ai écouté et entendu. J'ai aussi suivi le Frond autant que possible, ramassant des importations en cours de route, et en 1997, un chef-d'œuvre en triple LP appelé North Circular - 26 chansons ! – a continué l'incroyable course de Nick Saloman de pop et de psych et de trouble brassés à la maison, tranchants et carillonnants. Sa musique est franche, idiosyncrasique et parfaitement équilibrée dans une combinaison unique de tradition psych-rock, de sons DIY et d'introspection. North Circular est une promenade de deux heures à travers ce labyrinthe épineux et délicat construit sur du fuzz et une mélodie chantante. Certains fans et critiques semblent se focaliser sur l'extraordinaire jeu de guitare dans la musique de Saloman, mais je me trouve transporté par l'ensemble – la guitare est comme un fil multicolore qui se brode ici, se raccommode là, mais ce n'est qu'une partie de la tapisserie. Pour moi en 1997, à la veille du premier album et de la tournée d'Oneida, North Circular était aussi une affirmation que tu fais ce que tu fais, fais la musique que tu fais, et vieillis et bizarres selon tes propres conditions. J'ai toujours la cassette que mon frère m'a faite, et j'ai toujours mon frère, et j'ai toujours Oneida, et d'une manière ou d'une autre, nous avons toujours The Bevis Frond.

~Bobby Matador, Oneïda

[Capitole/Parlophone]

Je dois commencer par dire que je suis un grand fan de Radiohead pour les chansons que je connais et que je chéris profondément. C'est donc une surprise, étant donné qu'OK Computer est largement considéré comme l'un des albums les plus grands et les plus influents de sa génération, que je sois nouveau sur ce disque. Bien sûr, je connais intimement les classiques - "No Surprises", avec ses mélodies emblématiques et ses paroles angoissées ; "Karma Police", avec sans doute l'un des ponts les plus émouvants et les plus succincts de tous les temps ; "Exit Music", mon préféré, que j'aime à considérer comme la plaie ouverte du disque. Mais, alors que je faisais une longue promenade aujourd'hui et que j'écoutais vraiment OK Computer d'un bout à l'autre pour la première fois, je n'ai pas pu m'empêcher de penser à ce qu'Ed O'Brien, le guitariste, a dit à propos de leur processus - "nous étions juste C'était plutôt du bricolage, nous avons construit notre propre studio mobile ; nous avons cherché des endroits inspirants pour enregistrer plutôt que des studios d'enregistrement." J'ai été frappé par la qualité noodling et errante de "Airbag" et "Paranoid Android" ; l'heure quelque peu indulgente passe à 7 heures pour que les étudiants de première année de Berklee se débrouillent; l'obstination déplacée de "Fitter Happier" et "Electioneering" ; les parties de guitare bondées qui se bousculent comme des abeilles bourdonnantes, encombrant la voix, qui elle-même semble déguiser son propre contenu lyrique pour ne pas trop en révéler.

Mon ami beaucoup plus informé me disait qu'à la fin des années 90, il y avait probablement beaucoup d'acid jazz, de drum-and-bass en direct, de trip hop, en particulier au Royaume-Uni - alors qu'est-ce qui ressemble à de la batterie collante les rythmes et les lignes de guitare riffy étaient désormais culturellement super innovants et excitants à leur époque. C'est aussi un signal d'alarme quant au nombre d'artistes que j'écoute puiser dans Radiohead. Ça me fait un peu sourire en écoutant ce disque en entier, parce que j'ai l'impression d'entendre un peu leur jeunesse, et depuis que j'ai cet âge maintenant, ça me rend heureux. Ils étaient évidemment si présents et imprudents dans la réalisation de ce disque, ce que je pense que tout artiste devrait espérer être.

~ Canal Victoria

[Création/Reprise]

Le boom de la machine la plus malade, la basse ressemblant à de la boue de Mani et la fanfaronnade exaspérante et tourbillonnante au-dessus, Vanishing Point de Primal Scream m'ont fait la tête quand je l'ai entendu pour la première fois, sous les draps avec des écouteurs.

Je suis arrivé tard à Vanishing Point, trouvant un exemplaire dans ma bibliothèque locale. En tant qu'enfant grandissant au Texas, adorant aux pieds de SRV et Gatemouth Brown, je n'avais aucune idée de qui était Kowalski ou entendu parler du film de 1971, mais la couverture avait l'air si ineffablement cool. Puis "Kowalski" a commencé à jouer, le rythme déformé a démarré et la voix fantomatique de Bobby Gillispie m'a fait croire. Un groupe basé à Glasgow, écrivant un album concept sur un roadtrip américain des années 1970 basé sur les sons du dub et du psychédélisme était tout à fait logique pour moi, un immigrant taïwanais vivant à Houston écoutant Lee Hazlewood sur la radio de mon voisin.

Vanishing Point était ma porte d'entrée, une Encyclopédie Galactica voyageant dans le temps qui m'a fait découvrir le krautrock, Can et Suicide dans un sens, et m'a montré un avenir de maximalisme gonzo dans l'autre, un où garage, 808 et commentaires sociaux glissent ensemble. Ce morceau et sa suite, XTRMNTR de Primal Scream, m'ont profondément influencé en tant qu'auteur-compositeur et musicien. Leurs sons sont tissés dans l'ADN de chaque album que j'ai écrit, y compris le dernier, Empire Postcards, des chansons comme "Taking of a Nation" avec son NEU ! beat, basse floue, synthés analogiques et ensemble de cors inversés portent fièrement leur héritage Primal Scream.

L'extase apocalyptique de l'effondrement du krautrock-acide-dub Vanishing Point m'a montré comment on peut danser jusqu'à la fin du monde – et que les prophéties sont parfois mieux livrées à un rythme à quatre au sol et à des vagues de rétroaction.

"Cette station de radio a été nommée Kowalski… en l'honneur du dernier héros américain pour qui la vitesse signifie la liberté de l'âme."

~John Tsung

[Grotte du golf d'Aladdin]

Clinic semblait savoir exactement qui ils étaient dès la première note de leur premier EP, qui semble presque sans place dans le temps. Presque toutes leurs marques de fabrique sont ici : les rythmes veloutés et les sons de guitare, les chœurs fantomatiques, les petits revirements inventifs et les accents ponctuels qui les font paraître sauvages et difficiles à la fois. Comme les meilleurs groupes, ce sont quatre personnalités distinctes : la batterie inventive de Carl Tierney, le travail de basse agile de Brian Campbell, les solos distinctifs et araignées de Hartley (et parfois des lignes de clarinette) et la farfisa grinçante et la voix plaintive et sinistre d'Ade Blackburn, qui sonne s'il chante. à travers les dents serrées, combinez pour une infusion granuleuse, étrange et diaboliquement accrocheuse. Dans les trois ans, ils seraient nominés de manière surréaliste pour un Grammy, puis tomberaient du radar grand public pour subsister plus confortablement (esthétiquement, au moins) dans l'underground. Leurs albums post-Walking With Thee sont criminellement négligés; pour moi, c'est l'un des groupes les plus inspirants à avoir émergé du Royaume-Uni au cours du dernier quart de siècle.

~Jonathan Meiburg, Puffin

[Stabbies et les enregistrements de fusée]

Pumice fait de la musique qui ressemble à un robot brisé jouant la chanson folk abstraite la plus solitaire que vous ayez jamais entendue. Le groupe solo, Stefan Neville, transmet du plus profond de l'avant-monde noise néo-zélandais de la fin des années 90/00/10/20, mais toujours avec un seul orteil plongé dans la pop. Comme ses héros de Flying Nun Records et des cassettes Xpressway, qui m'ont hanté à la fin des années 90 en étant impossibles à obtenir, l'isolement a permis à son art de s'épanouir. Voici un travail assez précoce, auto-publié sur son propre label et plus tard réédité par le label culte de CD-R noise néo-zélandais Celebrate Psi-Phenomenon, dirigé par Campbell Kneale de Birchville Cat Motel "fame". Les ancêtres les plus proches de Pumice seraient les premiers Dead C ou Alastair Galbraith, mais ils ne sont arrivés sur cette planète trouble que quelques années plus tôt. Il y a des éléments de jazz surprenants, une clarinette capricieuse peut-être, et des percussions et des riffs de forme libre que Captain Beefheart aurait peut-être abandonnés. Des voix sont criées dans une boîte de conserve dans un donjon. La pierre ponce a rendu les choses plus accessibles plus tard, mais la joie et la naïveté affichées ici m'inspireront toujours à desserrer la gueule et à faire du bruit.

~ Glenn Donaldson, Les rouges, roses et violets

Je ne prendrai aucune chance près d'un volcan (1997) de Pumice

[Manque de goût]

J'ai acheté Von de Sigur Rós dans l'écrin tout violet en 2005 lors de mon premier voyage à Amoeba lors d'une visite à Los Angeles. Quand j'ai mis le CD pendant le vol de retour, j'avoue que je n'arrivais pas à distinguer ce qu'était l'album par rapport au vacarme du moteur. Les cris lointains au milieu de l'ouverture "Sigur Rós" ont définitivement évoqué un malaise diégétique.

Von est seul par rapport aux hymnes divins de la discographie ultérieure de Sigur Rós, et compte tenu de la séquence dans laquelle la plupart des fans l'ont entendu, l'album ressemble à un tour de passe-passe involontaire. Vingt-cinq ans après sa sortie, c'est toujours un disque fascinant pour moi avec une gamme de points de contact convaincants : musique concrète, calliope déconstruit, Shoegaze et paysages sonores ambiants hantés. Par-dessus tout, Von a une intention claire et présente certaines des premières inclinations de la vision post-rock indubitable et à long terme du groupe.

~Thomas Mullarney, Phare

[Bar/Aucun]

Cherry Peel est notre album préféré de Montréalais. Le disque était particulièrement important pour nous à l'époque de la sortie et de la tournée de Versions of Modern Performance. Gigi avait le CD dans sa voiture avant qu'aucun d'entre nous n'ait eu un vrai moment avec, mais il est depuis devenu l'un de nos CD les plus précieux. Cherry Peel parvient à être à la fois terriblement déchirant et délicieux. Toute chanson donnée sur le disque se prête à la fois aux sanglots et à la danse. C'est pop et pourtant tellement bizarre. Il est confiant dans son ton maladroit et confessionnel, et puise dans un sentiment universel de douceur amère qui a vraiment résonné en nous pendant cette étrange transition de nos vies. Parfois, il semble que les plus grands disques pop soient ceux qui s'avèrent délicieusement accrocheurs contre toute attente. Quand vous écoutez vraiment Cherry Peel, il semble défier son propre pop. Il regorge de changements de rythme inattendus, de formes non conventionnelles et de décisions créatives discordantes et discutables, mais nous le recevons comme un package pop parfait. Horsegirl est très influencée par cette rencontre de l'anticonformisme et de la pop, une forme que Cherry Peel exécute parfaitement.

~ Cavalière

[Un petit disque indien/Elektra]

Quand j'étais plus jeune, les CD de la voiture de mes parents étaient un mélange de The Clash's London Calling, The Beatles Sgt Pepper's, The Best of Bowie 67-74, et d'autres préférés de mon frère et moi, à savoir (mais pas honteusement) American Idiot de Green Day, mais il comprenait également les débuts de Björk. C'était un disque qui se jouait parfois en entier, et que je trouvais étrange, peut-être un peu rebutant à l'époque, mais aussi complètement envoûtant. Björk ne ressemblait à rien d'autre que j'avais écouté, et sa voix avait une urgence et un enjouement uniques et rafraîchissants. Il n'y avait pas de guitares, pas de batterie lourde, mais des tablas, des violons et des synthétiseurs, et que cela me plaise ou non, je suis devenu complètement accro à Björk.

Au fil des ans, mon disque préféré de Björk a constamment changé, mais je me trouve principalement attiré par Homogenic de 1997. J'aime ce disque pour de nombreuses raisons, mais surtout à cause de sa précision, chaque parole est comme une fléchette émotionnelle qui frappe dans le mille, comme « I'm a path of cinders/Burning under your feet/You're the celle qui me promène/Je suis ta rue à sens unique' ou 'J'ai pensé que je pouvais organiser la liberté/Comme c'est scandinave de moi' de "Hunter" où elle joue avec nos oreilles ; on s'attend à la réplique 'Comme c'est scandaleux de ma part' mais nous sommes ramenés au monde et un sentiment personnel est devenu une déclaration politique, ce n'est rien d'autre qu'une bonne écriture !

Il y a un sens dramatique de l'instrumentation tout au long du disque, les violons s'harmonisent pour la plupart sur le 5e qui est un style d'orchestration traditionnel islandais et tout au long du disque, ils reflètent la voix envolée de Björk. Les battements donnent l'impression que le manteau de la terre elle-même se déchire, venant d'Islande, un pays qui est volcaniquement instable, cela a du sens, mais cela ne perd rien dans le récit, peut-être que ce sentiment est mieux décrit sur "l'avion" de Debut : … le éruption/qui ne vous laisse jamais tomber/je peux le sentir !'. Ce disque est toujours une écoute rafraîchissante, c'est un monde inspirant et vaste.

En tant que groupe, nous parlons souvent de Björk, en utilisant principalement la phrase "Comment a-t-elle fait ça ?" En tant qu'artiste, elle est autonome et ses modalités uniques d'instrumentation et de structure sont des choses que nous essayons toujours de siphonner de sa musique d'une manière ou d'une autre (le vol est une partie importante de l'écriture, n'est-ce pas ?)

~Oliver Offord, Les Umlauts

[Dédié]

S'il y a un problème avec l'album de 1997 Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space de Spiritualized, c'est que la chanson titre d'ouverture est peut-être trop bonne. C'est un enregistrement mémorable, l'un des plus beaux morceaux de musique de son époque, et à la fin du morceau, vous avez l'impression d'avoir vécu un voyage épique difficile à suivre. Commençant par un mantra qui se répète tranquillement, il se termine par un énorme chœur et un crescendo symphonique. Plusieurs fois, je mettais cet album et je me sentais émotionnellement épuisé à la fin du morceau. Pourtant, je finirais par trouver que c'est un album exceptionnel de bout en bout, et il y a beaucoup d'autres morceaux qui se démarqueraient sur n'importe quel autre album. "Come Together" et "I Think I'm In Love" développent le drone blues de Spaceman 3, mélangeant davantage d'éléments gospel et orchestraux; les résultats sont assez excitants en eux-mêmes. "Broken Heart" poursuit le paysage onirique de la chanson titre, tandis que la seconde moitié vire au bruit expérimental, se terminant par l'explosif "Cop Shoot Cop". Il est difficile de penser à un album de cette époque qui se rapproche d'être si varié et musicalement ambitieux, mais rien de tout cela ne semble tendu. Les chansons prennent toujours le dessus sur les arrangements parfois épiques et denses, ce qui est peut-être la plus grande réussite de l'album.

~ Jason Quever, Papercuts

[Vierge]

Même si j'aimais The Velvet Rope quand j'étais enfant, je n'ai pas pleinement entendu la portée de ce que j'écoutais avant de le revoir ces dernières années. J'ai acheté le CD (avec mon propre argent de poche) uniquement pour le single "Together Again", que je voulais écouter encore et encore. Mais The Velvet Rope est bien plus qu'un véhicule pour une seule chanson pop – en fait, ce morceau ne reflète guère le reste du disque émotionnellement compliqué, souvent sombre, introspectif et sexuellement chargé. Il est difficile d'écrire un seul paragraphe sur une œuvre aussi multiforme. Même s'il est limité à son écriture, ses arrangements et ses choix de production dirigés par Jackson, Jimmy Jam et Terry Lewis; ou seulement à propos de sa gamme étonnante de sujets lyriques (deuil, violence domestique, plaisir sexuel, célébration de l'homosexualité, BDSM, SIDA, masturbation, relations en ligne), il serait difficile de lui rendre justice en seulement quelques phrases. Bien qu'il soit l'une des personnes les plus célèbres au monde, j'ai récemment envoyé un texto à mon ami (et compagnon de Janet) l'écrivain Kelly Xio, Jackson "n'obtient toujours pas assez de crédit" (pour avoir façonné le paysage moderne de la façon dont la musique pop sonne, ce que les stars de la pop chantent et la façon dont elles se rapportent à leurs fans). Xio a répondu: "Je pense que les gens qui comptent savent qu'elle était la reine." Alors que l'ensemble de son catalogue est riche et diversifié, The Velvet Rope a été un tournant pour la capacité personnelle de Jackson à "aller en profondeur" ainsi qu'un point de repère pour la diversité des sons et des sujets qui ont influencé la pop des années 90.

~ Katie Alice Greer

[Chemikal Souterrain]

Young Team porte bien son titre - c'est impétueux et imparfait et parsemé de blagues internes. C'est littéralement une bande d'adolescents qui baisent. Mais néanmoins, la musique vous brise le cœur. "Tracy", par exemple, présente deux longs extraits de la farce des membres du groupe qui s'appellent - l'un trompe l'autre en lui faisant croire qu'il y a eu une bagarre et que le groupe pourrait devoir se séparer. Honnêtement, ce n'est pas si drôle. Mais vous ne sauriez même pas qu'ils essayaient d'être drôles à moins que vous ne connaissiez la trame de fond. "Tracy" ne ressemble pas à une blague - c'est lent et maussade. Des couches de retard vaporeux obscurcissent les voix des membres du groupe comme un voile. Ils sonnent graves.

Young Team était l'un de mes albums préférés quand j'étais au lycée. Je le mettais et je m'allongeais sur le sol, regardais le mur, regardais la lumière qui traversait le plafond, regardais et m'imaginais comme un garçon écossais en 1997, donnant des coups de pied dans des canettes et roulant des cigarettes suffisantes et mélancoliques. Il était facile de se laisser entraîner dans la fantaisie. La musique a épluché les murs – puis le monde a changé de visage. Je pouvais me livrer à une sorte d'intensité dont je ne me savais pas capable. Je pouvais me laisser aller à une sorte de tendresse. J'imaginais conduire la nuit avec quelqu'un que j'aimais, jouer "Tracy" encore et encore, ressentir la même chose l'un pour l'autre que nous ressentions pour la chanson. Et puis c'est vraiment arrivé.

~Maria C.-B.

[Secrètement Canadien]

J'ai traversé plusieurs phases en n'écoutant que Jason Molina, mais cet album était nouveau pour moi et une découverte passionnante. Ce n'est pas sur les plateformes de streaming, donc j'ai écouté un téléchargement de l'intégralité sur YouTube, sans sauter. Son premier album sous le nom de Songs: Ohia, il est intégral dans le meilleur genre de premier album. Molina est l'un de mes deux musiciens préférés qui sont allés à Oberlin, avec une discographie que j'ai beaucoup creusée à l'école dans les mêmes champs de maïs de l'Ohio. (Liz Phair est l'autre) ." On a l'impression qu'il chante pour lui-même, pas pour un auditeur, avec un manque de conscience de soi propre aux premiers albums. Bien qu'il n'ait que 23 ans lorsqu'il l'a enregistré, les paroles et la livraison véhiculent une vision singulière, confiante, lente et délibérée. Il me rappelle Joanna Newsom dans la façon dont il tire des détails infimes d'un puits profond et spécifique – faisant en sorte qu'un moment et un lieu inconnus se sentent clairs et proches en très peu de mots. La rareté et l'absence de sens d'un public anticipé donnent à l'album une intimité que les enregistrements ultérieurs échangent contre un son plus gros et une production plus astucieuse. Ravie d'avoir trouvé cet album, merci de me l'avoir montré !

~ Dena Miller, éclaireuse de cerfs

[Roswell/Capitole]

J'écris sur The Colour and the Shape des Foo Fighters mais en réalité j'écris sur la chanson "Everlong". Lorsque Young Jesus a commencé vers 2006, nous étions adolescents. Nous portions des sweats à capuche American Apparel assortis que notre ami du centre commercial a brodés avec Young Jesus en cursive. Nous fumions des Marlboro Lights, buvions des caisses de Miller High Life. Nous avons joué de la guitare acoustique jusqu'à deux ou trois heures du matin. Nous avions des commandes Starbucks très spécifiques. Nous avons écouté Alkaline Trio, Brand New, Bright Eyes, Spitalfield, The Academy Is…, Piglet, Wilco, Arcade Fire et Foo Fighters. J'avais l'habitude d'être gêné et honteux de cette version de moi, du groupe. Notre goût de banlieue. Nos jeans moulants. Nous nous sommes pris tellement au sérieux. J'ai repris "Everlong" avec une guitare acoustique dans un magazine de poésie d'université à micro ouvert DEUX FOIS. Je porte mon sweat à capuche Young Jesus. Nous prenions de la drogue et nous nous évanouissions. C'était triste et sombre. Mais c'était beau. Après assez de bière, on se tenait l'un l'autre et on se disait "je t'aime". On criait "Everlong" dans la voiture et on pleurait. Nous n'avions pas d'autres modèles pour les émotions que nous ressentions que cette musique hurlante. Nous avons essayé de le vivre et nous avons beaucoup perdu dans le processus. Certains d'entre nous sont partis. Mais nous avons eu une vraie joie - et me voici en train de regarder le lac Michigan, commençant à le récupérer. "Everlong" est une tangente dans l'histoire, mais quand je l'écoute à plein volume, c'est tout.

~John Rossiter, Jeune Jésus

[En haut]

Je n'étais pas dans ces gars quand j'ai entendu parler d'eux pour la première fois. C'était pendant ma deuxième année de lycée. Quelqu'un de très proche en était un grand fan et m'a montré cet album. J'ai immédiatement trouvé les chansons difficiles à intégrer et à la limite de l'aliénation avec son sujet "trailer trash". Il m'a également convaincu de regarder un documentaire à leur sujet sur YouTube, que j'ai trouvé ennuyeux pour la plupart. La seule chanson que j'ai vraiment aimée était "Out Of Gas", qui est probablement la chanson la plus accrocheuse et la plus simple de l'album. Mais à part ça, je n'ai tout simplement pas compris. J'en étais même agacé. C'était lié à lui, pas à moi.

Plan sur moi quelques années plus tard, écoutant ce disque dans les avions, les trains et les automobiles, tout le temps, partout dans le monde. Cela a vraiment cliqué pour moi lorsque nous avons fait notre première tournée américaine dans une camionnette, alors que nous traversions le Midwest enneigé en plein hiver, de Seattle à Minneapolis. Je m'y rapporte. J'ai compris.

Cela m'arrive assez souvent avec beaucoup de disques classiques - je dois le découvrir au bon moment, sinon j'aurai une réaction intensément averse, ce que j'ai maintenant appris est essentiellement la même chose qu'être follement dans aimer avec ça. Et je suppose que le même genre de chose s'est produit avec la personne qui m'a présenté ce disque en premier lieu. J'espère que tu vas bien et je suis désolé d'avoir été une merde. Tu avais raison, cet album est génial.

~Orono, Superorganisme

[Capitole/Parlophone]

Je pense avoir écouté cet album plus de 1000 fois. Je me suis parfaitement connecté à cet album en 1997 et je me souviens encore à quel point j'étais inquiet pour mon avenir à l'époque. Maintenant je l'écris depuis Berlin en Allemagne en écoutant "The Tourist". La vie est belle.

~Takaakira Goto, MONO

[Chaîne]

C'était en mai 1997 quand moi – un fou aux yeux maniaques de Salford – avec des boules qui tombaient à contrecœur et des poils pubiens qui poussaient « bon gré mal gré » de chaque orifice – j'ai déménagé à Detroit/Düsseldorf au nord de l'Angleterre, SHEFFIELD. À mon arrivée à Sheffield, j'ai réalisé assez rapidement que le centre-ville (grâce à Margaret Thatcher décimant toute son industrie) ressemblait déjà aux images post-apocalyptiques du film "Threads" - et ses habitants austères et incapables étaient simplement en attendant la troisième guerre mondiale pour les achever !! Mais ce qui manquait à Sheffield dans pratiquement tout autre chose que des humoristes noirs et des danseurs de disco cliniquement déprimés - cela a été compensé par le futur magasin de disques (et label) le plus avant-gardiste du pays - WARP RECORDS !

Le premier disque que j'ai acheté à partir de là, je l'ai acheté pour le titre seul - Work and Non Work by Heavens very own psychedelic /electronic/sonic folk/collage angels , BROADCAST! Du morceau d'ouverture de "Accidentals" à "The Book Lovers" - je n'avais tout simplement rien entendu de tel auparavant, des sons de synthé bizarres, une batterie jazzy kraut-esque, des guitares floues des années 60, un écho à bande et des effets spéciaux. Le son de vrais rêves rendu réel. Ce qui m'a le plus accroché dans ce disque, c'est la belle voix non showboating de Trish Keenan. Une voix pour moi qui est là-haut avec le grand Dieu elle-même, Karen Carpenter. Trish a trouvé sans effort ce juste milieu entre la bande originale de The Wicker Man, des comptines super mélodiques effrayantes pour enfants et des groupes de filles des années 60 comme The Shangri-las. Ce n'est que 3 ans plus tard que j'ai découvert qu'il s'agissait d'un album de compilation des premiers singles et B-Sides -, puis Broadcast a sorti The Noise Made by People (leur premier album proprement dit) et depuis lors, ils sont à peu près mon Dimanche matin, rendez-vous chez l'artiste de votre choix, Ma seule église de culte.

~Adrian Flanagan, ACIDE KLAUS

[Un petit disque indien/Elektra]

L'une de mes vidéos préférées de tous les temps est cette interview spéciale islandaise avec Björk dans son home studio, une fenêtre sur son monde et son processus d'écriture. L'espace est en grande partie non meublé, à l'exception d'un petit rig qu'elle a installé au centre de la pièce, où sont disposés un échantillonneur, un synthé, un ordinateur portable et des moniteurs. J'imagine que c'est là qu'elle a fait la démo de la majorité de ses premiers disques, et j'ai toujours été lié à ce processus de garder un espace épuré comme pour croire que les outils deviendront une extension de vos idées et vice versa. J'ai entendu Homogenic pour la première fois après que Thom Yorke ait appelé "Unravel" sa chanson préférée. Il n'y a pas d'autre moyen de le décrire que de dire que la chanson se déroule magistralement jusqu'à ce que tout soit mis à nu, ou, comme le dit Björk, "notre amour est une pelote de laine". En écoutant, j'ai été instantanément impressionné par sa capacité à modeler de manière transparente ce qui ne peut être décrit que comme des rythmes volcaniques avec des arrangements de cordes délicats et aériens, et la façon dont ses chansons sonnent si énormes et pourtant si intimes à la fois. Le séquençage parfait de "Hunter" à "5 Years" est à la fois grandiose et déchirant, et sa performance vocale est à la fois feutrée et sonore. "Immature" contient certaines de ses paroles les plus pertinentes, mais au fur et à mesure que la production tourbillonne et se déroule, vous réalisez qu'elle chante encore et encore la même strophe de quatre lignes avec une intensité croissante, confessant son immaturité en pensant que quelqu'un d'autre pourrait l'épanouir. 25 ans plus tard, ces sons sont toujours une source d'inspiration majeure pour moi en raison de leur mélange unique du monde naturel et du synthétique, un son qui est si unique à Björk. C'est du drame pur et une partie de son travail le plus confessionnel, et j'oublie presque à quel point c'est écrasant jusqu'à ce que j'y revienne la prochaine fois.

~Nissa

[wija]

J'adore la manipulation étrange, merveilleuse et légèrement psychédélique des sons de cet album. Je suis toujours en admiration devant la façon étonnante dont ils utilisent les sons trouvés tout au long - à côté du large éventail d'influences, de la production impressionnante et des parties de percussion texturales en boucle dans lesquelles vous pouvez vous perdre avec plaisir.

Le kit de batterie sonne si présent - terreux, riche et trapu sur la plupart des pistes. L'album est édifiant et joyeux - gracieusement, sans effort multiculturel. C'est tellement cool en avance sur la courbe.

"Brimful of Asha" a été l'un des premiers singles que j'ai achetés sur CD. J'étais instinctivement attiré par ce morceau d'écriture de qualité et à cause de l'arrangement intéressant. Mon CD contenait la version originale de l'album ainsi que le remix de Norman Cook (que j'adore aussi).

Le riff de synthé et la partie de batterie roulante sur "Funky Days Are Back Again" me font juste sourire. La livraison vocale sur cette piste est inhabituelle et un exemple vraiment brillant d'une mélodie vocale de premier plan.

L'album est un patchwork intéressant de références culturelles, avec tant de détails et d'intelligence dans la production. Il a si bien vieilli - un travail fluide et super croisière qui n'a pas perdu son avantage après 25 ans.

~Yeux bleu pâleᐧ

ACID KLAUSAeon stationaphex twinaquaBeaconBjorkbroadcastbuena vista social clubcalexicochelsea roseChöying Drolmacircuit des yeuxcliniccornershopDeer Scoutdj ravielliott smithfoo fightersganserGhais GuevaraGuided By VoicesHercules & Love Affairhorsegirlinterpoljanet jacksonJesca HoopJohn Tsungjonathan kanekatie alice greerlambchopM . Geddes Gengrasmac mccaughanmaria bcmartin wheelermasemodest mousemogwaimononaomi alligatorNightlandsNisaof montrealOneidaPale Blue EyespapercutsPolicaprimal shoutpumiceRadioheadreprazentrhys chathamrobert wyattroni sizeshearwatersigur rossofi tukkersongs: ohiaspice girlsspiritualizedstarsstereolabSteve Tibbettsstrictly ballroomSuperorganism fanclub adolescentthe bevis frondthe charlatansthe rangeThe Reds Pinks & Purplesthe sea and cakethe umlautsTim KinsellaVictoria CanalWeenWilder Makerwill sheffyo la tengoyoung jesus

Passionné de musique et passionné de vinyle. Il détaille souvent son amour pour X-Ray Spex et Bee Gees avec de parfaits inconnus. Il en sait probablement moins sur la musique qu'il ne le pense.